2026.7文、圖/楊英風藝術教育基金會 執行長 楊駿▼父親帶著我與姊姊接觸雕塑金屬材料童年：在圖紙與積木堆中構築世界 記得小時候，家裡的大人總是很忙。父親忙於雕塑創作，母親專注於室內設計，家裡的客廳更像是一座充滿生命力的工作室，隨處堆滿了雕塑模型、畫作與錯落的圖紙。每天清晨，父親總是坐在餐桌前，細密地寫下整週的行程；他常拿著格子紙繪製雕塑草稿，或是在和室裡安靜地與油土、雕塑刀為伍。 而母親在客廳旁也有專屬的畫桌，我常看著她靜心繪圖的背影。或許是耳濡目染，我童年最珍貴的玩具不是昂貴的電子遊戲，而是白紙、鉛筆與一盒樂高積木。我可以獨自坐在桌前畫上一整個下午，在那方寸之間構築我的想像世界。我從小就是在這樣充滿創作氣息的環境中長大。 我的父親楊奉琛先生，長年投入公共藝術、燈會與光雕創作。印象中，他總是最早出門、最晚回家，開著車南征北討。兒時的我時常跟著他，鑽進大型燈會主燈或巨型雕塑的內部。對大眾而言，看見的是外面絢爛奪目的燈光，但對那個年幼的孩子來說，最令我著迷的，反而是裡面巨大的機械結構、齒輪、鐵架與正緩緩運轉的裝置，那是一個外人看不見的秘密世界。▼兒時騎在父親的勁馬雕塑上 直到現在，我仍深刻記得那些畫面：巨大鐵件在眼前沉穩轉動，燈光從結構縫隙間穿透進來，工人們忙著焊接測試。空間裡交織著機器運轉聲與排練的音樂，充滿著一種「準備出發」的張力。那時我雖不懂什麼是「公共藝術」，卻直覺地感受到：原來一件宏偉作品的誕生，背後需要這麼多人的專注與協力。 母親王維妮女士為了支持父親的理想，同樣辛勤奔波。兒時的我常跟隨她的足跡走訪工地，見證那些由她設計的住宅從無到有。有趣的是，我那時畫畫用的白紙，背面往往就是她親手修改過的室內平面圖草稿。 除了在空間配置上的嚴謹，母親在繪畫上亦展現了細膩的才華。下班後，她時常坐在家裡的畫桌前靜心作畫，那是我童年記憶裡最平靜的剪影；有時我也會湊過去，在她的畫作邊緣調皮地塗鴉幾筆，那彷彿是我們母子間特有的藝術對話。▼兒時與母親在客廳繪畫 美感不在課本裡：從觀察開始的美學教育 回首過去，那時的我並不了解何謂「美學教育」，但我卻很早就學會與空間、材料、結構與光線對話。對我而言，美感從不是課本裡的教條，而是一種深刻的生活經驗。美學教育不應始於課堂，而應始於生活中的觀察。孩子先感受到了空間的尺度、光影的律動、材質的質地，才慢慢理解什麼是美。 許多大人將藝術等同於「學畫畫」，但我日益發覺，藝術的靈魂其實是「觀察」。 小時候放學，我常跑到父母的工作室。樓下是母親經營的咖啡廳與美術館，樓上則是他們的創作空間。美術館裡陳列著許多線條優美的雕塑，母親總告訴我，這些是爺爺楊英風的作品，並尊稱他為「楊教授」。儘管我知道他是我的爺爺，但在我出生前他便已辭世，對當時的我來說，他更像是一個活在研究與展覽中的歷史人物。▼母親與父親安裝中的台中燈會〔吉羊康泰〕▼父親的記事本總是密密麻麻跨時空的重逢：在手稿中遇見父親與爺爺 直到高中進入美術學校，我才真正開啟了認識楊英風大師的旅程。然而，高中時期父親因癌症離世，對家族而言是沉重的衝擊。在陪伴病榻的那些日子，即使身體衰弱，他依然不停談論藝術、繪製草圖，講述未竟的理想。我曾對父親充滿崇拜，卻也始終帶著一種敬畏的距離感。直到他離開後，我開始著手整理他的記事本與手稿，就在那個瞬間，我彷彿跨越了時空與他的靈魂相遇，讀懂了他一生所堅持的藝術信仰。 在一場居家整理的契機下，我翻出了一系列父親年輕時的工作照。照片中，他蹲在巨大的燈會骨架旁，在火花四濺的工地上調整細節。我凝視著他專注的眼神，突然釋懷了那份多年的距離感，原來父親的一生，已全然交付給了創作現場。他在那裡實踐理想，也在那裡定義了自己的存在。 這是我重新認識家族的起點。大學建築系畢業並在事務所實習一段時間後，我決定回到美術館協助母親。我運用建築所學，參與空間改造與策展工作，並在進入楊英風研究中心後，深入閱讀爺爺留下的日記。 我發現，楊英風留下來的不只是雕塑，而是一套觀察世界的方法。他在早年日記中，詳細記錄了每天街道上的變化、社會上發生的大小事，今天做多小的事情他都一字不漏的詳細寫上。他不僅在創作，更是在精確地感受人與環境的關係。我才理解，藝術家的強大不只在於「技藝」，更在於那份極致細膩的觀察感知力。▼楊英風會把所見所聞詳細記載在日記中傳承的意義：陪著下一代重新看見世界 這種「觀察的能力」，正是當代孩子最需要的資產。在資訊超載、節奏飛快的年代，我們常急著給孩子標準答案，卻忘了陪他們感受過程。但我認為，美學教育最重要的目標，不是教孩子畫得精準，而是開啟他們觀察周遭的能力。 這份「觀察」的啟蒙，其實在爺爺楊英風大師的童年就已種下種子。身為宜蘭人的他，小時候最深刻的記憶莫過於家鄉海面上的龜山島，以及民間信仰中象徵長壽吉祥的福龜。那時的他，最喜歡透過「剪紙」來捕捉這些生活景致，在簡單的紙張開合間，他剪出龜山島的稜線，也剪出了展翅的鳳凰。這份純粹的童年遊戲，不僅磨練了他對線條的敏感度，更讓他學會如何將平面的想像轉化為具體的形象。 這份對平面與立體空間的敏銳觀察，最終成就了他在國際舞台上的榮耀。1970年，當他在日本大阪萬國博覽會創作出壯闊的景觀雕塑《鳳凰來儀》時，世人看見的是現代感十足的鋼片結構與宏偉尺度，但對爺爺而言，那卻是兒時剪紙經驗的極致延伸，他將厚重的鋼板視為手中的紙片，透過精準的摺疊與轉折，讓堅硬的材質展現出神獸飛升的輕盈。這也是楊英風藝術教育基金會目前推動教育的核心：我們帶領孩子重複這個「從平面到立體」的過程。▼楊英風與1970大阪萬博創作的〔鳳凰來儀〕▼楊英風〔龜蛇把海口〕紙模型 從最簡單的剪紙出發，發給孩子們最平凡的紙張，給他們一個挑戰：「如何讓這張平面的紙，在桌上站起來，並且擁有自己的空間與影子？」透過紙雕的實作，我們引導他們思考人與自然環境、建築的關係，而不僅僅是製作一個物件。 在課程中，我常看見孩子從最初害怕「做錯」的猶豫，到後來在剪紙與組合中發現創作沒有唯一答案的驚喜。當孩子不再追求「像不像」，而是開始思考作品與空間的連結時，那個專注觀察、大膽嘗試的瞬間，就是創造力迸發的時刻。 藝術從不只存在於美術館，它存在於公園的雕塑、行道樹的影子、街道的尺度，甚至是城市給予人的安全感。身為空間設計者與藝術推動者，我深感美學並非裝飾，而是人與生活的一種溫潤關係。 這幾年整理家族作品與文獻時，我明白了「傳承」的真諦：傳承不只是守護過去的作品，而是要讓下一代學會如何觀察、如何感受。或許孩子未來不一定會走上藝術之路，但如果他學會停下腳步，觀察光線如何與環境產生變化，感受空間帶來的平和，那麼美感教育就已在他們心中生根。而這份願景的實踐，也需要志同道合的夥伴共同努力，長虹教育基金會長期推廣建築與環境美學，這與我們守護藝術、關懷環境的精神不謀而合。期待未來能透過多元的跨界合作，結合建築與雕塑的視野，帶領更多家庭重新發現生活中的空間之美。延伸閱讀楊英風藝術教育基金會官網